Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Darsteller*innen: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Management Mentor: Ian Ross
Presse: Tani Burns (TBurnsArts)
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Ohad Naharin gilt als einer der originellsten und progressivsten Tanzschaffenden unserer Zeit und mit Sadeh21 gelang ihm 2011 der große Wurf: In einer Versuchsanordnung ließ er die Tänzer*innen der von ihm geleiteten Batsheva Dance Company hier aufeinandertreffen und die Räume zwischenmenschlicher Beziehungen ausloten – und erntete damit nicht nur weltweit Begeisterungsstürme des Publikums, sondern zog auch die internationale Tanzkritik in seinen Bann. Von Tel Aviv bis New York und von Hamburg bis ins australische Perth war das Stück nach seiner Uraufführung zu erleben – immer getanzt von 18 Tänzer*innen der Batsheva Dance Company. Mit der Premiere am Staatstheater Darmstadt wird dieses Stück nun erstmalig von einer anderen Kompanie auf die Bühne gebracht werden.

In 21 spannungsvollen Feldern ( הדש , sadeh, hebräisch: Feld), in 21 Sektionen präsentiert Ohad Naharin den Zuschauern in allen möglichen Kombinationen und Konstellationen die ganze Bandbreite an Beziehungen, Begegnungen, an Zuneigung, Abneigung und allen menschlichen Gefühlen dazwischen. So werden sich zur Eröffnung der Spielzeit des Hessischen Staatsballetts unsere Tänzer*innen in diese Druckkammer der Gefühle begeben, in der sie sich zart wie explosiv begegnen, und sich schließlich selbst der überwältigenden Flut aus getanzten Bildern ausliefern.

Choreografie: Ohad Naharin
Musik zusammengestellt von: Maxim Waratt
Bühne: Ohad Naharin
Licht: Avi Yona Bueno
Kostüm: Ariel Cohen

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Darsteller*innen: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Management Mentor: Ian Ross
Presse: Tani Burns (TBurnsArts)
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Wie nimmt man Musik wahr? Wie kann man mit Musik umgehen?
Der Doppelabend Opus / Näss kombiniert zwei grundsätzlich unterschiedliche Herangehensweisen an Musik und daran, wie Tanz mit ihr umgehen kann. Gemeinsam mit der Companie Leon & The Wolf lässt Christos Papadopoulos die Musik einen integralen Bestandteil der Performance werden: Die Grenzen zwischen Tänzer*innenkörper und Musikinstrument verschwimmen, Klang und Bewegung werden untrennbar miteinander verbunden. So eröffnet Opus als Meditation über musikalische Abläufe eine gänzlich neue Perspektive auf unsere eigenen Automatismen, die sich einschalten sobald Musik erklingt.
Getrieben von der Musik, von einem alles bestimmenden Rhythmus ist auch Näss des französisch-marokkanischen Choreografen Fouad Boussouf. Ausgehend von traditionellen Bewegungsfolgen aus der marokkanischen Tanzkultur sowie dem Hip-Hop lässt Boussouf in den Bewegungen seiner sieben Tänzer*innen Tradition und Moderne aufeinandertreffen und entführt das Publikum in die Straßen Marokkos.

OPUS
Konzept, Choreografie: Christos Papadopoulos
Musik: Johann Sebastian Bach
Musikschnitt: Kornilios Selamsis
Lichtdesign: Miltiadis Athanasiou, Christos Papadopoulos
Kostüme: Claire Breiswel
Tanz: Georgios Kotsifakis, Ioanna Paraskevopoulou, Maria Bregianni, Amalia Kosma

NÄSS:
Choreografie: Fouad Boussouf
Choreografische Assistenz: Bruno Domingues Torres
Performance: Élias Ardoin, Sami Blond, Mathieu Bord, Maxime Cozic, Loïc Elice, Justin Gouin, Nicolas Grosclaude
Licht: Françoise Michel
Kostüme & Szenografie: Camille Vallat
Komposition: Roman Bestion

PRODUCTION
Produktion: Massala Company
Koproduktion: Théâtre Jean Vilar de Vitry-sur-Seine / Le Prisme – Centre de développement artistique de Saint-Quentin-en-Yvelines / Institut du Monde Arabe – Tourcoing / Fontenay-en-Scènes – Fontenay-sous-Bois / Théâtre des Bergeries – Noisy-le-Sec / FLOW – Centre Eurorégional des Cultures Urbaines – Lille / La Briqueterie – CDCN du Val-de-Marne / ARCADI Ile-de-France / ADAMI / Institut Français de Marrakech
Finanzielle Unterstützung: Région Île-de-France / Conseil départemental du Val-de-Marne / Ville de Vitry-sur-Seine
Unterstützung: La Briqueterie – CDC du Val-de-Marne / Pôle Culturel d’Alfortville / Centre National de la Danse / FLOW – Centre Eurorégional des Cultures Urbaines – Lille / Cirque Shems’y – Salé (Maroc) / Studios Dyptik – St-Etienne

Wie sehen wir einander an? Wie erlauben wir uns gesehen zu werden? Wie bestimmen unsere Körper die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen? Können wir lernen, über Grenzen der Andersartigkeit hinwegzusehen?
The Way You Look (at me) Tonight ist eine soziale Skulptur – eine sinnliche Reise für zwei Performer*innen und Publikum. Tanzend, singend, Geschichten erzählend und Fragen stellend verbinden die schottische Künstlerin Claire Cunningham und der in Berlin lebende, amerikanische Choreograf und Performer Jess Curtis Musik, Videokunst und Performance. Sie ringen – manchmal wortwörtlich – mit wichtigen Fragen über die Gewohnheiten und Bräuche, wie wir die Welt und einander wahrnehmen.
In Zusammenarbeit mit Autor und Wahrnehmungsphilosoph Alva Noë, Videokünstler Yoann Trellu, Komponist Matthias Herrmann und Dramaturg Luke Pell befragen sie in ihrem Duett die Wahrnehmungen voneinander – als Mann und Frau unterschiedlichen Alters, mit verschiedenen Körpern und verschiedener Herkunft. Auch das Publikum wird aufgefordert, mit der eigenen Wahrnehmung zu experimentieren.

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Darsteller*innen: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Management Mentor: Ian Ross
Presse: Tani Burns (TBurnsArts)
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Wie sehen wir einander an? Wie erlauben wir uns gesehen zu werden? Wie bestimmen unsere Körper die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen? Können wir lernen, über Grenzen der Andersartigkeit hinwegzusehen?
The Way You Look (at me) Tonight ist eine soziale Skulptur – eine sinnliche Reise für zwei Performer*innen und Publikum. Tanzend, singend, Geschichten erzählend und Fragen stellend verbinden die schottische Künstlerin Claire Cunningham und der in Berlin lebende, amerikanische Choreograf und Performer Jess Curtis Musik, Videokunst und Performance. Sie ringen – manchmal wortwörtlich – mit wichtigen Fragen über die Gewohnheiten und Bräuche, wie wir die Welt und einander wahrnehmen.
In Zusammenarbeit mit Autor und Wahrnehmungsphilosoph Alva Noë, Videokünstler Yoann Trellu, Komponist Matthias Herrmann und Dramaturg Luke Pell befragen sie in ihrem Duett die Wahrnehmungen voneinander – als Mann und Frau unterschiedlichen Alters, mit verschiedenen Körpern und verschiedener Herkunft. Auch das Publikum wird aufgefordert, mit der eigenen Wahrnehmung zu experimentieren.

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Wie beeinflussen die Likes, die wir online erhalten, unser Verhalten und Körperempfinden?
Tänzerin, Performerin und Choreografin Núria Guiu Sagarra, die bereits mit renommierten Tanzkompanien wie der IT Danza, Carte Blanche oder der Batsheva Dance Company zusammengearbeitet hat, bietet mit Likes eine erfrischende Perspektive auf die Präsenz des Körpers im digitalen Zeitalter.

Likes erforscht Social-Media-Phänomene wie Cover Dances und Yoga Tutorials und lässt dabei die Grenzen zwischen Tanz und Lesung, realer Welt und Online-Realität verschwimmen. Mal als Übungsleiterin, mal als Anthropologin nimmt uns Núria Guiu Sagarra mit auf eine physische Reise mit einem Hang zur Ironie.

Leitung, Choreografie & Tanz / Direction, Choreography & Dance: Núria Guiu Sagarra
Künstlerische Assistenz / Artistic Assistance: Esther Freixa and Sónia Gómez
Kostümberatung / Costume Advisor: Nestor Reina
Fotografie & Video / Photo & Video: Alice Brazzit
Residenzprojekt / Project in Residence: Cra’p (Mollet del Vallès), Konvent.0 (Berga), Espai Bokashi
(Ciutadella de Menorca), La Blanca and Sala Hiroshima de Barcelona.
Koproduktion / Coproduction: Sala Hiroshima

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Darsteller*innen: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Management Mentor: Ian Ross
Presse: Tani Burns (TBurnsArts)
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Wie beeinflussen die Likes, die wir online erhalten, unser Verhalten und Körperempfinden?
Tänzerin, Performerin und Choreografin Núria Guiu Sagarra, die bereits mit renommierten Tanzkompanien wie der IT Danza, Carte Blanche oder der Batsheva Dance Company zusammengearbeitet hat, bietet mit Likes eine erfrischende Perspektive auf die Präsenz des Körpers im digitalen Zeitalter.

Likes erforscht Social-Media-Phänomene wie Cover Dances und Yoga Tutorials und lässt dabei die Grenzen zwischen Tanz und Lesung, realer Welt und Online-Realität verschwimmen. Mal als Übungsleiterin, mal als Anthropologin nimmt uns Núria Guiu Sagarra mit auf eine physische Reise mit einem Hang zur Ironie.

Leitung, Choreografie & Tanz / Direction, Choreography & Dance: Núria Guiu Sagarra
Künstlerische Assistenz / Artistic Assistance: Esther Freixa and Sónia Gómez
Kostümberatung / Costume Advisor: Nestor Reina
Fotografie & Video / Photo & Video: Alice Brazzit
Residenzprojekt / Project in Residence: Cra’p (Mollet del Vallès), Konvent.0 (Berga), Espai Bokashi
(Ciutadella de Menorca), La Blanca and Sala Hiroshima de Barcelona.
Koproduktion / Coproduction: Sala Hiroshima

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Darsteller*innen: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Management Mentor: Ian Ross
Presse: Tani Burns (TBurnsArts)
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Die Arbeiten von Emanuel Gat bestechen durch ihre hohe Musikalität. Er begeisterte im letzten Festival mit seiner choreografischen Interpretation von Bobby Hebbs Hit Sunny. Nun kehrt er für ein außergewöhnliches Projekt nach Frankfurt zurück. Auf Einladung des Ensemble Modern entwickelte er im Frankfurt LAB ein Stück, das fünfzehn Musiker*innen und zehn Mitglieder seiner Tanzkompanie auf der Bühne zusammenbringt und das beim Festival d’Avignon im Ehrenhof des Papstpalastes uraufgeführt wurde. Das Konzept ist außergewöhnlich. Ein Teil der Choreografie wird auf der Basis bestehender Werke entwickelt: Pierre Boulez’ Dérive 2 und Rebecca Saunders’ Fury II. Für den dritten Teil FolkDance schaffen die Tänzer*innen sowie die Musiker*innen eine eigene Partitur, in der die Gesten der Klangerzeugung und des Tanzes ineinander übergehen – tradierte Grenzen und Zuständigkeiten werden meisterhaft überschritten und aufgelöst.

Koproduktion des Künstlerhaus Mousonturm im Rahmen der Tanzplattform Rhein-Main /
Co-production of Künstlerhaus Mousonturm as part of the Tanzplattform Rhein-Main

Unter Verwendung von Kompositionen von / Compositions: Pierre Boulez, Rebecca Sauders
Künstlerische Leitung, Choreografie, Bühne, Licht / Artistic Direction, Choreography, Set, Lighting: Emanuel Gat
Live-Elektronik / Live-Electronics: Felix Dreher
Dirigent / Conductor: Josep Planells Schiaffino
Von und mit / By and with: Emanuel Gat Dance und Ensemble Modern

Die Arbeiten von Emanuel Gat bestechen durch ihre hohe Musikalität. Er begeisterte im letzten Festival mit seiner choreografischen Interpretation von Bobby Hebbs Hit Sunny. Nun kehrt er für ein außergewöhnliches Projekt nach Frankfurt zurück. Auf Einladung des Ensemble Modern entwickelte er im Frankfurt LAB ein Stück, das fünfzehn Musiker*innen und zehn Mitglieder seiner Tanzkompanie auf der Bühne zusammenbringt und das beim Festival d’Avignon im Ehrenhof des Papstpalastes uraufgeführt wurde. Das Konzept ist außergewöhnlich. Ein Teil der Choreografie wird auf der Basis bestehender Werke entwickelt: Pierre Boulez’ Dérive 2 und Rebecca Saunders’ Fury II. Für den dritten Teil FolkDance schaffen die Tänzer*innen sowie die Musiker*innen eine eigene Partitur, in der die Gesten der Klangerzeugung und des Tanzes ineinander übergehen – tradierte Grenzen und Zuständigkeiten werden meisterhaft überschritten und aufgelöst.

Koproduktion des Künstlerhaus Mousonturm im Rahmen der Tanzplattform Rhein-Main /
Co-production of Künstlerhaus Mousonturm as part of the Tanzplattform Rhein-Main

Unter Verwendung von Kompositionen von / Compositions: Pierre Boulez, Rebecca Sauders
Künstlerische Leitung, Choreografie, Bühne, Licht / Artistic Direction, Choreography, Set, Lighting: Emanuel Gat
Live-Elektronik / Live-Electronics: Felix Dreher
Dirigent / Conductor: Josep Planells Schiaffino
Von und mit / By and with: Emanuel Gat Dance und Ensemble Modern

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Ohad Naharin gilt als einer der originellsten und progressivsten Tanzschaffenden unserer Zeit und mit Sadeh21 gelang ihm 2011 der große Wurf: In einer Versuchsanordnung ließ er die Tänzer*innen der von ihm geleiteten Batsheva Dance Company hier aufeinandertreffen und die Räume zwischenmenschlicher Beziehungen ausloten – und erntete damit nicht nur weltweit Begeisterungsstürme des Publikums, sondern zog auch die internationale Tanzkritik in seinen Bann. Von Tel Aviv bis New York und von Hamburg bis ins australische Perth war das Stück nach seiner Uraufführung zu erleben – immer getanzt von 18 Tänzer*innen der Batsheva Dance Company. Mit der Premiere am Staatstheater Darmstadt wird dieses Stück nun erstmalig von einer anderen Kompanie auf die Bühne gebracht werden.

In 21 spannungsvollen Feldern ( הדש , sadeh, hebräisch: Feld), in 21 Sektionen präsentiert Ohad Naharin den Zuschauern in allen möglichen Kombinationen und Konstellationen die ganze Bandbreite an Beziehungen, Begegnungen, an Zuneigung, Abneigung und allen menschlichen Gefühlen dazwischen. So werden sich zur Eröffnung der Spielzeit des Hessischen Staatsballetts unsere Tänzer*innen in diese Druckkammer der Gefühle begeben, in der sie sich zart wie explosiv begegnen, und sich schließlich selbst der überwältigenden Flut aus getanzten Bildern ausliefern.

Choreografie: Ohad Naharin
Musik zusammengestellt von: Maxim Waratt
Bühne: Ohad Naharin
Licht: Avi Yona Bueno
Kostüm: Ariel Cohen

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine Komposition vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

Choreografie / Choreography: Taulant Shehu
Mit / With: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition / Composing: Arne Stevens

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst im ständigen Wechsel der Kostüme, die durch ihre Opulenz und Formstrenge bestechen, als Kunstfigur. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Künstlerische Leitung / Artistic Direction: Kristin Gerwien
Performance: Philip Albus, Antonia Beeskow, Kristin Gerwien, Clara Reiner, Sara Trawöger
DJ: OneMoe
Licht / Lighting: Lea König
Mitarbeit Bühnenbild / Stage Design Assistants: Till Korfhage, Sara Trawöger
Tontechnisches Konzept / Concept for Sound Technology: Jörn Nettingsmeier
Inhaltliche Begleitung / Dramaturge: Hanna Steinmair
Produktionsleitung / Production Manager: Martin Bien

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Es gilt die Welt, in der wir leben, zu erkunden!
Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden? Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė

Tanzstück für Jugendliche und ihre Fans | Ab 10 Jahren

Die Zeit des Erwachsenwerdens ist eine Zeit der Rebellion und Anpassung zugleich. Tim Plegge macht in seinem neuen Ballett Momente sichtbar, die den Umbau des Lebens und die Selbstdefinition der eigenen Persönlichkeit in den Vordergrund stellen. Es zeigt Situationen, die junge Erwachsene mit Gleichaltrigen erleben: Freundschaft, Ausgrenzung, Gruppendynamik, Selbstbewusstsein, Sexualität und Liebe. Wie auf einer Baustelle ist in dieser hochspannenden Lebensphase alles „under construction“. Wichtige Fragen brauchen Zeit zu reifen: Wer bin ich? Wer möchte ich sein? Vielleicht gibt es doch einen kleinen Zwischenraum, in dem wir nicht das tun müssen, was Mädchen oder Jungs den allgemeinen Erwartungen nach eigentlich tun? Die Krise des Heranwachsens trägt die bunteste Kleidung!

Choregrafie / Choreography: Tim Plegge
Bühne / Stage: Flurin Borg Madsen
Kostüme / Costumes: Janine Werthmann
Video: Thorsten Greiner
Dramaturgie / Dramaturgy: Esther Dreesen-Schaback

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine Komposition vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

Choreografie / Choreography: Taulant Shehu
Mit / With: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition / Composing: Arne Stevens

Zu lange wurden behinderte Körper im Theater höchstens zur Darstellung von Andersheit benutzt. Der Choreograf und Kulturaktivist Saša Asentić versammelt in seinem neuen Stück ein gleichberechtigtes Team aus Menschen mit und ohne Behinderung, um sich mit ästhetischen Regimen der Tanzgeschichte auseinanderzusetzen. Als Ausgangspunkt dienen drei Schlüsselwerke des 20. Jahrhunderts, die in Deutschland entstanden und den Tanz dann weltweit revolutionierten. Die Stücke Hexentanz von Mary Wigman, Kontakthof von Pina Bausch und Self Unfinished von Xavier Le Roy stellten in ihrer Entstehungszeit jeweils ganz eigene Körperkonzepte vor, die mit bestehenden Konventionen brachen und nun selbst einen Kanon bilden. Asentić und sein Team eignen sich dieses Material mit viel Sachverstand an, um daraus eine eigene Ästhetik zu entwickeln und einen Platz in der Tanzgeschichte zu reklamieren. Dis_Sylphide hebelt humorvoll und überraschend bestehende Normen und Konventionen vom Körper aus und lädt dazu ein, den Theaterraum als einen Ort des alternativen Zusammenseins zu erobern.

Künstlergespräch | Mi. 14.11.

In Deutsch, Englisch und Serbisch

Konzept und künstlerische Leitung / Concept and artistic direction: Saša Asentić
Künstlerische Mitarbeit und Choreografie / Artistic collaboration and choreography: Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski
Performance: Natalija Vladisavljević, Jelena Stefanovska, Snežana Bulatović, Dalibor Šandor, Marko Bašica, Thomas Möller, Celina Scharff, Tom Reinecke, Katharina Bromka, Can Gecir, Liv Henriette Neuman, Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski, Saša Asentić

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst im ständigen Wechsel der Kostüme, die durch ihre Opulenz und Formstrenge bestechen, als Kunstfigur. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Künstlerische Leitung / Artistic Direction: Kristin Gerwien
Performance: Philip Albus, Antonia Beeskow, Kristin Gerwien, Clara Reiner, Sara Trawöger
DJ: OneMoe
Licht / Lighting: Lea König
Mitarbeit Bühnenbild / Stage Design Assistants: Till Korfhage, Sara Trawöger
Tontechnisches Konzept / Concept for Sound Technology: Jörn Nettingsmeier
Inhaltliche Begleitung / Dramaturge: Hanna Steinmair
Produktionsleitung / Production Manager: Martin Bien

Zu lange wurden behinderte Körper im Theater höchstens zur Darstellung von Andersheit benutzt. Der Choreograf und Kulturaktivist Saša Asentić versammelt in seinem neuen Stück ein gleichberechtigtes Team aus Menschen mit und ohne Behinderung, um sich mit ästhetischen Regimen der Tanzgeschichte auseinanderzusetzen. Als Ausgangspunkt dienen drei Schlüsselwerke des 20. Jahrhunderts, die in Deutschland entstanden und den Tanz dann weltweit revolutionierten. Die Stücke Hexentanz von Mary Wigman, Kontakthof von Pina Bausch und Self Unfinished von Xavier Le Roy stellten in ihrer Entstehungszeit jeweils ganz eigene Körperkonzepte vor, die mit bestehenden Konventionen brachen und nun selbst einen Kanon bilden. Asentić und sein Team eignen sich dieses Material mit viel Sachverstand an, um daraus eine eigene Ästhetik zu entwickeln und einen Platz in der Tanzgeschichte zu reklamieren. Dis_Sylphide hebelt humorvoll und überraschend bestehende Normen und Konventionen vom Körper aus und lädt dazu ein, den Theaterraum als einen Ort des alternativen Zusammenseins zu erobern.

Künstlergespräch | Mi. 14.11.

In Deutsch, Englisch und Serbisch

Konzept und künstlerische Leitung / Concept and artistic direction: Saša Asentić
Künstlerische Mitarbeit und Choreografie / Artistic collaboration and choreography: Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski
Performance: Natalija Vladisavljević, Jelena Stefanovska, Snežana Bulatović, Dalibor Šandor, Marko Bašica, Thomas Möller, Celina Scharff, Tom Reinecke, Katharina Bromka, Can Gecir, Liv Henriette Neuman, Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski, Saša Asentić

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst im ständigen Wechsel der Kostüme, die durch ihre Opulenz und Formstrenge bestechen, als Kunstfigur. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Künstlerische Leitung / Artistic Direction: Kristin Gerwien
Performance: Philip Albus, Antonia Beeskow, Kristin Gerwien, Clara Reiner, Sara Trawöger
DJ: OneMoe
Licht / Lighting: Lea König
Mitarbeit Bühnenbild / Stage Design Assistants: Till Korfhage, Sara Trawöger
Tontechnisches Konzept / Concept for Sound Technology: Jörn Nettingsmeier
Inhaltliche Begleitung / Dramaturge: Hanna Steinmair
Produktionsleitung / Production Manager: Martin Bien

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine Komposition vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

*Choreografie / Choreography:*Taulant Shehu
Mit / With: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition / Composing: Arne Stevens

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine Komposition vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

*Choreografie / Choreography:*Taulant Shehu
Mit / With: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition / Composing: Arne Stevens

Erstaufführung im deutschsprachigen Raum/Keine Sprachkenntnisse erforderlich

In diesem Jahr erhält Meg Stuart den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. In ihrem jüngsten Tanzstück, das ebenso assoziationsreich wie emotional ist, begibt sich die Choreografin auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem aus unzähligen Glühlampen vom indonesischen Ausnahmekünstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum legen drei Tänzer*innen unerhörte Erinnerungsschichten frei. Mehr in Gesten als in erzählenden Handlungen treffen zu den treibenden Live-Sounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora Lubys Körper aufeinander, um sich gleich wieder aufzulösen. Dunkelheit und Licht, Unbewusstes und Bewusstes, Ost und West alles scheint in Verbindung treten zu wollen in einem Universum der Menschlichkeit. Dieses Stück ist ein echter Trip. In einem Wort: Hypnotisierend!

Choreografie / Choreography: Meg Stuart
Installation: Jompet Kuswidananto
Von und mit / By and with: Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke
Livemusik / Live Music: Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys

Sa. 17.11. | 19 Uhr | Warm-up für Zuschauer*innen

Ohad Naharin gilt als einer der originellsten und progressivsten Tanzschaffenden unserer Zeit und mit Sadeh21 gelang ihm 2011 der große Wurf: In einer Versuchsanordnung ließ er die Tänzer*innen der von ihm geleiteten Batsheva Dance Company hier aufeinandertreffen und die Räume zwischenmenschlicher Beziehungen ausloten – und erntete damit nicht nur weltweit Begeisterungsstürme des Publikums, sondern zog auch die internationale Tanzkritik in seinen Bann. Von Tel Aviv bis New York und von Hamburg bis ins australische Perth war das Stück nach seiner Uraufführung zu erleben – immer getanzt von 18 Tänzer*innen der Batsheva Dance Company. Mit der Premiere am Staatstheater Darmstadt wird dieses Stück nun erstmalig von einer anderen Kompanie auf die Bühne gebracht werden.

In 21 spannungsvollen Feldern ( הדש , sadeh, hebräisch: Feld), in 21 Sektionen präsentiert Ohad Naharin den Zuschauern in allen möglichen Kombinationen und Konstellationen die ganze Bandbreite an Beziehungen, Begegnungen, an Zuneigung, Abneigung und allen menschlichen Gefühlen dazwischen. So werden sich zur Eröffnung der Spielzeit des Hessischen Staatsballetts unsere Tänzer*innen in diese Druckkammer der Gefühle begeben, in der sie sich zart wie explosiv begegnen, und sich schließlich selbst der überwältigenden Flut aus getanzten Bildern ausliefern.

Choreografie: Ohad Naharin
Musik zusammengestellt von: Maxim Waratt
Bühne: Ohad Naharin
Licht: Avi Yona Bueno
Kostüm: Ariel Cohen

Erstaufführung im deutschsprachigen Raum/Keine Sprachkenntnisse erforderlich

In diesem Jahr erhält Meg Stuart den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. In ihrem jüngsten Tanzstück, das ebenso assoziationsreich wie emotional ist, begibt sich die Choreografin auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem aus unzähligen Glühlampen vom indonesischen Ausnahmekünstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum legen drei Tänzer*innen unerhörte Erinnerungsschichten frei. Mehr in Gesten als in erzählenden Handlungen treffen zu den treibenden Live-Sounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora Lubys Körper aufeinander, um sich gleich wieder aufzulösen. Dunkelheit und Licht, Unbewusstes und Bewusstes, Ost und West alles scheint in Verbindung treten zu wollen in einem Universum der Menschlichkeit. Dieses Stück ist ein echter Trip. In einem Wort: Hypnotisierend!

Choreografie / Choreography: Meg Stuart
Installation: Jompet Kuswidananto
Von und mit / By and with: Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke
Livemusik / Live Music: Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys

Sa. 17.11. | 19 Uhr | Warm-up für Zuschauer*innen

Erstaufführung im deutschsprachigen Raum/Keine Sprachkenntnisse erforderlich

In diesem Jahr erhält Meg Stuart den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. In ihrem jüngsten Tanzstück, das ebenso assoziationsreich wie emotional ist, begibt sich die Choreografin auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem aus unzähligen Glühlampen vom indonesischen Ausnahmekünstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum legen drei Tänzer*innen unerhörte Erinnerungsschichten frei. Mehr in Gesten als in erzählenden Handlungen treffen zu den treibenden Live-Sounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora Lubys Körper aufeinander, um sich gleich wieder aufzulösen. Dunkelheit und Licht, Unbewusstes und Bewusstes, Ost und West alles scheint in Verbindung treten zu wollen in einem Universum der Menschlichkeit. Dieses Stück ist ein echter Trip. In einem Wort: Hypnotisierend!

Choreografie / Choreography: Meg Stuart
Installation: Jompet Kuswidananto
Von und mit / By and with: Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke
Livemusik / Live Music: Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys

Sa. 17.11. | 19 Uhr | Warm-up für Zuschauer*innen