Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit von Sigmund Freud lädt die interaktive Installation Whist zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mit filmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: Esteban Fourmi, Aoi Nakamura (AΦE)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit von Sigmund Freud lädt die interaktive Installation Whist zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mit filmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: Esteban Fourmi, Aoi Nakamura (AΦE)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Ohad Naharin gilt als einer der originellsten und progressivsten Tanzschaffenden unserer Zeit und mit Sadeh21 gelang ihm 2011 der große Wurf: In einer Versuchsanordnung ließ er die Tänzer*innen der von ihm geleiteten Batsheva Dance Company aufeinandertreffen und die Räume zwischenmenschlicher Beziehungen ausloten – und erntete damit nicht nur weltweit Begeisterungsstürme des Publikums, sondern zog auch die internationale Tanzkritik in seinen Bann. Von Tel Aviv bis New York und von Hamburg bis ins australische Perth war das Stück nach seiner Uraufführung zu erleben – immer getanzt von 18 Tänzer*innen der Batsheva Dance Company.

In 21 spannungsvollen Feldern ( שדה , sadeh, hebräisch: Feld), in 21 Sektionen präsentiert Ohad Naharin dem Publikum in allen möglichen Kombinationen und Konstellationen die ganze Bandbreite an Beziehungen, Begegnungen, an Zuneigung, Abneigung und allen menschlichen Gefühlen dazwischen. Zur Eröffnung des Festivals werden sich die Tänzer*innen des Hessischen Staatsballetts in diese Druckkammer der Gefühle begeben, in der sie sich zart wie explosiv begegnen, und sich schließlich selbst der überwältigenden Flut aus getanzten Bildern ausliefern.

Länge: 75 min.

Choreografie: Ohad Naharin
Musik zusammengestellt von: Maxim Waratt
Bühne: Ohad Naharin
Licht: Avi Yona Bueno
Kostüm: Ariel Cohen
Tanz: Hessisches Staatsballett

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit von Sigmund Freud lädt die interaktive Installation Whist zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mit filmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: Esteban Fourmi, Aoi Nakamura (AΦE)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit von Sigmund Freud lädt die interaktive Installation Whist zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mit filmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: Esteban Fourmi, Aoi Nakamura (AΦE)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Wie nimmt man Musik wahr? Wie kann man mit Musik umgehen? Der Doppelabend Opus / Näss kombiniert zwei grundsätzlich unterschiedliche Herangehensweisen an Musik und daran, wie Tanz mit ihr umgehen kann. Der griechische Choreograf Christos Papadopoulos lässt gemeinsam mit seinen Tänzer*innen Musik einen integralen Bestandteil der Performance werden: Die Grenzen zwischen Tänzer*innenkörper und Musikinstrument verschwimmen, Musik und Bewegung werden untrennbar miteinander verbunden und so eröffnet Opus als Meditation über musikalische Abläufe eine gänzlich neue Perspektive auf unsere eigenen Automatismen, die sich einschalten, sobald Musik erklingt.
Getrieben von der Musik, von einem alles bestimmenden Rhythmus ist auch Näss des französisch-marokkanischen Choreografen Fouad Boussouf. Ausgehend von traditionellen Bewegungsfolgen aus der marokkanischen Tanzkultur sowie dem Hip-Hop lässt Boussouf in den Bewegungen seiner sieben Tänzer*innen Tradition und Moderne aufeinandertreffen und entführt das Publikum in die Straßen Marokkos.

OPUS
Länge: 40 min.
Konzept, Choreografie: Christos Papadopoulos
Komposition: Johann Sebastian Bach
Musik: Staatsorchester Darmstadt
Musikredaktion: Kornilios Selamsis
Lichtdesign: Miltiadis Athanasiou, Christos Papadopoulos
Kostüme: Claire Breiswel
Tanz: Georgios Kotsifakis, Ioanna Paraskevopoulou, Maria Bregianni, Amalia Kosma

NÄSS
Länge: 40 min.
Choreografie: Fouad Boussouf
Choreografische Assistenz: Bruno Domingues Torres
Komposition: Roman Bestion
Musik: Staatsorchester Darmstadt
Licht: Françoise Michel
Kostüme & Szenografie: Camille Vallat
Tanz: Élias Ardoin, Sami Blond, Mathieu Bord, Maxime Cozic, Loïc Elice, Justin Gouin, Nicolas Grosclaude

Produktion: Massala Company
Koproduktion: Théâtre Jean Vilar de Vitry-sur-Seine / Le Prisme – Centre de développement artistique de Saint-Quentin-en-Yvelines / Institut du Monde Arabe – Tourcoing / Fontenay-en-Scènes – Fontenay-sous-Bois / Théâtre des Bergeries – Noisy-le-Sec / FLOW – Centre Eurorégional des Cultures Urbaines – Lille / La Briqueterie – CDCN du Val-de-Marne / ARCADI Ile-de-France / ADAMI / Institut Français de Marrakech
Finanzielle Unterstützung: Région Île-de-France / Conseil départemental du Val-de-Marne / Ville de Vitry-sur-Seine
Unterstützung: La Briqueterie – CDC du Val-de-Marne / Pôle Culturel d’Alfortville / Centre National de la Danse / FLOW – Centre Eurorégional des Cultures Urbaines – Lille / Cirque Shems’y – Salé (Maroc) / Studios Dyptik – St-Etienne

Wie sehen wir einander an? Wie erlauben wir uns gesehen zu werden? Wie bestimmen unsere Körper die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen? Können wir lernen, über Grenzen der Andersartigkeit hinwegzusehen?
The Way You Look (at me) Tonight ist eine soziale Skulptur – eine sinnliche Reise für zwei Performer*innen und Publikum. Tanzend, singend, Geschichten erzählend und Fragen stellend verbinden die schottische Künstlerin Claire Cunningham und der in Berlin lebende, amerikanische Choreograf und Performer Jess Curtis Musik, Videokunst und Performance. Sie ringen – manchmal wortwörtlich – mit wichtigen Fragen über die Gewohnheiten und Bräuche, wie wir die Welt und einander wahrnehmen.
In Zusammenarbeit mit Autor und Wahrnehmungsphilosoph Alva Noë, Videokünstler Yoann Trellu, Komponist Matthias Herrmann und Dramaturg Luke Pell befragen sie in ihrem Duett die Wahrnehmungen voneinander – als Mann und Frau unterschiedlichen Alters, mit verschiedenen Körpern und verschiedener Herkunft. Auch das Publikum wird aufgefordert, mit der eigenen Wahrnehmung zu experimentieren.

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit von Sigmund Freud lädt die interaktive Installation Whist zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mit filmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: Esteban Fourmi, Aoi Nakamura (AΦE)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Als zwanglose Möglichkeit neue Bekanntschaften zu schließen, waren die Tanztees in den 1920er-Jahren gesellschaftliche Höhepunkte. Tee und Appetithäppchen wurden gereicht, es wurde getanzt, gelacht, begutachtet, erprobt, tiefsinnige Gespräche wurden geführt und es wurde wieder getanzt. Nach dem großen Erfolg des Tanztees im vergangenen Jahr möchte das Hessische Staatsballett diese Tradition erneut im Rahmen des Tanzfestivals Rhein-Main aufleben lassen und daran erinnern, dass Tanz nicht nur schön anzusehen, sondern für jeden auch erfahrbar ist – und meistens zu ausgesprochen guter Laune führt. In diesem Jahr laden wir sowohl in Wiesbaden als auch in Darmstadt dazu ein, zu Live-Musik das Tanzbein zu schwingen.

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit von Sigmund Freud lädt die interaktive Installation Whist zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mit filmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Künstlerische Leitung: Esteban Fourmi, Aoi Nakamura (AΦE)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

In Cuculand Souvenir verschmelzen das Spektakel des Zirkus und hoch virtuoser Tanz mit bildender Kunst zu einer großformatigen Performance. Der zeitgenössische katalanische Tanzkünstler Roberto Olivan setzt in dem Stück auf eine riskante innovative Sprache, mit welcher er dem Einfluss technischer Entwicklungen auf unseren Alltag nachspürt. Sieben Tänzer*innen bringen in Cuculand Souvenir ineinander verwobene Geschichten auf die Bühne, die alle um das Thema der Technologie kreisen und den schmalen Grat zwischen Aneignung und Abhängigkeit erkunden, der unser alltägliches Verhältnis zum technologischen Fortschritt bestimmt.
An diesem jüngsten Werk arbeitete Olivan gemeinsam mit dem elektroakustischen Tonkünstler und Musiker Laurent Delforge sowie mit Romain Tardy, einem der wichtigsten bildenden Künstler der aktuellen Digitalkunstszene.

Konzept, Leitung & Choreografie: Roberto Olivan
Gestaltung & Performance: Manuel Tiger/Héctor Plaza “Buba”, Delia Ceruti, Luis García “Fruta”, Dunya Narli, Chey Jurado, Akira Yoshida, Tina Afiyan Breiova
Musikalische Gestaltung und Leitung: Laurent Delforge
Bildkünstler: Romain Tardy
Dramaturgische Beratung: Piero Steiner
Technische Leitung und Licht: Oriol Ibañez
Kostüm: Adriana Parra
Produktionsleitung und Management: Carmina Escardó – DROM

Wie sehen wir einander an? Wie erlauben wir uns gesehen zu werden? Wie bestimmen unsere Körper die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen? Können wir lernen, über Grenzen der Andersartigkeit hinwegzusehen?
The Way You Look (at me) Tonight ist eine soziale Skulptur – eine sinnliche Reise für zwei Performer*innen und Publikum. Tanzend, singend, Geschichten erzählend und Fragen stellend verbinden die schottische Künstlerin Claire Cunningham und der in Berlin lebende, amerikanische Choreograf und Performer Jess Curtis Musik, Videokunst und Performance. Sie ringen – manchmal wortwörtlich – mit wichtigen Fragen über die Gewohnheiten und Bräuche, wie wir die Welt und einander wahrnehmen.
In Zusammenarbeit mit Autor und Wahrnehmungsphilosoph Alva Noë, Videokünstler Yoann Trellu, Komponist Matthias Herrmann und Dramaturg Luke Pell befragen sie in ihrem Duett die Wahrnehmungen voneinander – als Mann und Frau unterschiedlichen Alters, mit verschiedenen Körpern und verschiedener Herkunft. Auch das Publikum wird aufgefordert, mit der eigenen Wahrnehmung zu experimentieren.

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Wie beeinflussen die Likes, die wir online erhalten, unser Verhalten und Körperempfinden? Likes erforscht Social-Media-Phänomene wie sogenannte Dance Covers und Yoga Tutorials und lässt dabei die Grenzen zwischen Tanz und Lesung, realer Welt und Online-Realität verschwimmen. Mal als Übungsleiterin, mal als Anthropologin nimmt uns Núria Guiu Sagarra mit auf eine physische Reise mit einem Hang zur Ironie.
Die Tänzerin, Performerin und Choreografin, die bereits mit renommierten Tanzkompanien wie IT Danza, Carte Blanche und der Batsheva Dance Company zusammengearbeitet hat, bietet mit Likes eine erfrischende Perspektive auf die Präsenz des Körpers im digitalen Zeitalter.

Länge: 60 min.

Leitung, Choreografie & Tanz: Núria Guiu Sagarra
Künstlerische Assistenz: Esther Freixa and Sónia Gómez
Kostümberatung: Nestor Reina
Fotografie & Video: Alice Brazzit

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Wie beeinflussen die Likes, die wir online erhalten, unser Verhalten und Körperempfinden? Likes erforscht Social-Media-Phänomene wie sogenannte Dance Covers und Yoga Tutorials und lässt dabei die Grenzen zwischen Tanz und Lesung, realer Welt und Online-Realität verschwimmen. Mal als Übungsleiterin, mal als Anthropologin nimmt uns Núria Guiu Sagarra mit auf eine physische Reise mit einem Hang zur Ironie.
Die Tänzerin, Performerin und Choreografin, die bereits mit renommierten Tanzkompanien wie IT Danza, Carte Blanche und der Batsheva Dance Company zusammengearbeitet hat, bietet mit Likes eine erfrischende Perspektive auf die Präsenz des Körpers im digitalen Zeitalter.

Länge: 60 min.

Leitung, Choreografie & Tanz: Núria Guiu Sagarra
Künstlerische Assistenz: Esther Freixa and Sónia Gómez
Kostümberatung: Nestor Reina
Fotografie & Video: Alice Brazzit

Fr. 9.11. | Künstlerinnen-Gespräch im Anschluss

Wo liegt der Unterschied, den wir empfinden und wie fühlen wir gemeinsam? Zusammen mit den Tänzerinnen Su-Mi Jang und Katja Cheraneva schafft die bildende Künstlerin und Regisseurin Ayla Pierrot Arendt mit Harmless Being eine fluide Welt, in der alternative Formen des Miteinanders verhandelt werden. Sie entwickelt das von ihr entwickelte Genre der Videochoreografie weiter und greift im Spannungsfeld von Videoarbeit und Liveperformance u. a. Einflüsse aus dem japanischen Low-Budget Filmgenre „pinku eiga“ auf. Arendt deutet diese „Erotikfilme“ um. Sie stellt die weiblichen Hauptdarstellerinnen in den Mittelpunkt und extrahiert aus ihrem Verhalten einen ungewöhnlichen Umgang mit Gefühlen und Beziehungen.
Das Stück entwickelt so einen dynamischen Raum zwischen Projektion, Publikum und Tanz, in dem alle Mit-Fühlende und somit Mit-Denkende sind.

*Länge: 90 min.

Konzept, Regie, Raum: Ayla Pierrot Arendt
Performance: Katja Cheraneva, Su-Mi Jang
Kostüm: Nina Divitschek
Kamera Video: Sriram Srivigneswaramoorthy
Sound: Don Dyzette & Fullruhm
Produktionsleitung: Lucia Primavera

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Die Arbeiten von Emanuel Gat bestechen durch ihre hohe Musikalität. Der Choreograf begeisterte im letzten Festival mit seiner choreografischen Interpretation von Bobby Hebbs Hit Sunny. Nun kehrt er für ein außergewöhnliches Projekt nach Frankfurt zurück. Auf Einladung des Ensemble Modern entwickelte er im Frankfurt LAB ein Stück, das fünfzehn Musiker*innen und zehn Mitglieder seiner Tanzkompanie auf der Bühne zusammenbringt und das beim Festival d’Avignon im Ehrenhof des Papstpalastes uraufgeführt wurde. Das Konzept ist besonders. Ein Teil der Choreografie wurde auf der Basis bestehender Werke entwickelt: Pierre Boulez’ Dérive 2 und Rebecca Saunders’ Fury II. Für den dritten Teil FolkDance schaffen die Tänzer*innen sowie die Musiker*innen eine eigene Partitur, in der die Gesten der Klangerzeugung und des Tanzes ineinander übergehen – tradierte Grenzen und Zuständigkeiten werden meisterhaft überschritten und aufgelöst.

Koproduktion des Künstlerhaus Mousonturm im Rahmen der Tanzplattform Rhein-Main.

Länge: 75 min.

Unter Verwendung von Kompositionen von: Pierre Boulez, Rebecca Sauders
Künstlerische Leitung, Choreografie, Bühne, Licht: Emanuel Gat
Live-Elektronik: Felix Dreher
Dirigent: Josep Planells Schiaffino
Von und mit: Emanuel Gat Dance und Ensemble Modern

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Die Arbeiten von Emanuel Gat bestechen durch ihre hohe Musikalität. Der Choreograf begeisterte im letzten Festival mit seiner choreografischen Interpretation von Bobby Hebbs Hit Sunny. Nun kehrt er für ein außergewöhnliches Projekt nach Frankfurt zurück. Auf Einladung des Ensemble Modern entwickelte er im Frankfurt LAB ein Stück, das fünfzehn Musiker*innen und zehn Mitglieder seiner Tanzkompanie auf der Bühne zusammenbringt und das beim Festival d’Avignon im Ehrenhof des Papstpalastes uraufgeführt wurde. Das Konzept ist besonders. Ein Teil der Choreografie wurde auf der Basis bestehender Werke entwickelt: Pierre Boulez’ Dérive 2 und Rebecca Saunders’ Fury II. Für den dritten Teil FolkDance schaffen die Tänzer*innen sowie die Musiker*innen eine eigene Partitur, in der die Gesten der Klangerzeugung und des Tanzes ineinander übergehen – tradierte Grenzen und Zuständigkeiten werden meisterhaft überschritten und aufgelöst.

Koproduktion des Künstlerhaus Mousonturm im Rahmen der Tanzplattform Rhein-Main.

Länge: 75 min.

Unter Verwendung von Kompositionen von: Pierre Boulez, Rebecca Sauders
Künstlerische Leitung, Choreografie, Bühne, Licht: Emanuel Gat
Live-Elektronik: Felix Dreher
Dirigent: Josep Planells Schiaffino
Von und mit: Emanuel Gat Dance und Ensemble Modern

Fr. 9.11. | Künstlerinnen-Gespräch im Anschluss

Wo liegt der Unterschied, den wir empfinden und wie fühlen wir gemeinsam? Zusammen mit den Tänzerinnen Su-Mi Jang und Katja Cheraneva schafft die bildende Künstlerin und Regisseurin Ayla Pierrot Arendt mit Harmless Being eine fluide Welt, in der alternative Formen des Miteinanders verhandelt werden. Sie entwickelt das von ihr entwickelte Genre der Videochoreografie weiter und greift im Spannungsfeld von Videoarbeit und Liveperformance u. a. Einflüsse aus dem japanischen Low-Budget Filmgenre „pinku eiga“ auf. Arendt deutet diese „Erotikfilme“ um. Sie stellt die weiblichen Hauptdarstellerinnen in den Mittelpunkt und extrahiert aus ihrem Verhalten einen ungewöhnlichen Umgang mit Gefühlen und Beziehungen.
Das Stück entwickelt so einen dynamischen Raum zwischen Projektion, Publikum und Tanz, in dem alle Mit-Fühlende und somit Mit-Denkende sind.

*Länge: 90 min.

Konzept, Regie, Raum: Ayla Pierrot Arendt
Performance: Katja Cheraneva, Su-Mi Jang
Kostüm: Nina Divitschek
Kamera Video: Sriram Srivigneswaramoorthy
Sound: Don Dyzette & Fullruhm
Produktionsleitung: Lucia Primavera

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Ohad Naharin gilt als einer der originellsten und progressivsten Tanzschaffenden unserer Zeit und mit Sadeh21 gelang ihm 2011 der große Wurf: In einer Versuchsanordnung ließ er die Tänzer*innen der von ihm geleiteten Batsheva Dance Company aufeinandertreffen und die Räume zwischenmenschlicher Beziehungen ausloten – und erntete damit nicht nur weltweit Begeisterungsstürme des Publikums, sondern zog auch die internationale Tanzkritik in seinen Bann. Von Tel Aviv bis New York und von Hamburg bis ins australische Perth war das Stück nach seiner Uraufführung zu erleben – immer getanzt von 18 Tänzer*innen der Batsheva Dance Company.

In 21 spannungsvollen Feldern ( שדה , sadeh, hebräisch: Feld), in 21 Sektionen präsentiert Ohad Naharin dem Publikum in allen möglichen Kombinationen und Konstellationen die ganze Bandbreite an Beziehungen, Begegnungen, an Zuneigung, Abneigung und allen menschlichen Gefühlen dazwischen. Zur Eröffnung des Festivals werden sich die Tänzer*innen des Hessischen Staatsballetts in diese Druckkammer der Gefühle begeben, in der sie sich zart wie explosiv begegnen, und sich schließlich selbst der überwältigenden Flut aus getanzten Bildern ausliefern.

Länge: 75 min.

Choreografie: Ohad Naharin
Musik zusammengestellt von: Maxim Waratt
Bühne: Ohad Naharin
Licht: Avi Yona Bueno
Kostüm: Ariel Cohen
Tanz: Hessisches Staatsballett

Fr. 9.11. | Künstlerinnen-Gespräch im Anschluss

Wo liegt der Unterschied, den wir empfinden und wie fühlen wir gemeinsam? Zusammen mit den Tänzerinnen Su-Mi Jang und Katja Cheraneva schafft die bildende Künstlerin und Regisseurin Ayla Pierrot Arendt mit Harmless Being eine fluide Welt, in der alternative Formen des Miteinanders verhandelt werden. Sie entwickelt das von ihr entwickelte Genre der Videochoreografie weiter und greift im Spannungsfeld von Videoarbeit und Liveperformance u. a. Einflüsse aus dem japanischen Low-Budget Filmgenre „pinku eiga“ auf. Arendt deutet diese „Erotikfilme“ um. Sie stellt die weiblichen Hauptdarstellerinnen in den Mittelpunkt und extrahiert aus ihrem Verhalten einen ungewöhnlichen Umgang mit Gefühlen und Beziehungen.
Das Stück entwickelt so einen dynamischen Raum zwischen Projektion, Publikum und Tanz, in dem alle Mit-Fühlende und somit Mit-Denkende sind.

*Länge: 90 min.

Konzept, Regie, Raum: Ayla Pierrot Arendt
Performance: Katja Cheraneva, Su-Mi Jang
Kostüm: Nina Divitschek
Kamera Video: Sriram Srivigneswaramoorthy
Sound: Don Dyzette & Fullruhm
Produktionsleitung: Lucia Primavera

Endlich ist es wieder soweit! Die diesjährige Ausgabe des Tanztag Rhein-Main hält ein tolles Programm für Tanz- und Bewegungsfreudige parat. Versuchen Sie sich mit uns im Standardtanz, dem klassischen Ballett, oder probieren Sie Bollywood- oder Square-Dance aus! Testen Sie ihre Fähigkeiten im Hip-Hop oder spüren Sie den Bewegungsabläufen historischer Tänze nach.
Das Tanztag-Programm mit rund 180 Schnupperkursen macht nicht nur deutlich, wie vielseitig die Tanzlandschaft der Rhein-Main-Region ist, sondern bringt Menschen aller Altersklassen und unterschiedlicher Herkunft zusammen.

Das ganze Programm gibt’s hier: Tanztag Rhein-Main

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Als zwanglose Möglichkeit neue Bekanntschaften zu schließen, waren die Tanztees in den 1920er-Jahren gesellschaftliche Höhepunkte. Tee und Appetithäppchen wurden gereicht, es wurde getanzt, gelacht, begutachtet, erprobt, tiefsinnige Gespräche wurden geführt und es wurde wieder getanzt. Nach dem großen Erfolg des Tanztees im vergangenen Jahr möchte das Hessische Staatsballett diese Tradition erneut im Rahmen des Tanzfestivals Rhein-Main aufleben lassen und daran erinnern, dass Tanz nicht nur schön anzusehen, sondern für jeden auch erfahrbar ist – und meistens zu ausgesprochen guter Laune führt. In diesem Jahr laden wir sowohl in Wiesbaden als auch in Darmstadt dazu ein, zu Live-Musik das Tanzbein zu schwingen.

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Was passiert, wenn die Wünsche, die in den dunklen Ecken unseres Geistes verborgen sind, plötzlich ans Licht gebracht werden? Was, wenn sie die ganze Zeit die treibende Kraft unserer Entscheidungen gewesen sind? Inspiriert von der Arbeit Sigmund Freuds lädt die interaktive Installation „Whist” zu einer Reise in die Welt des Unbewussten ein, wo unsere Instinkte uns durch eine surreale Erzählung aus Träumen und Ängsten führen.
AΦE ist eine in Ashford ansässige Tanzkompanie, die darauf spezialisiert ist, die Kunst des Tanzes näher ans Publikum zu bringen. Whist ist ihre erste große Arbeit. Als voll immersive, virtuelle Realität vereint sie Physical Theatre und Mixed Reality Technology in einer Umgebung, die die Grenzen zwischen Bewusstsein und Unbewusstheit, Realität und Fiktion, Physischem und Virtuellem verwischt. Mithilfe der Installation, die Kunstobjekte und Sound mitfilmischem und interaktivem 360°-Film paart, tauchen Sie in eine Welt ein, in der sich Träume offenbaren. Wer weiß schon, wohin unser Unterbewusstsein uns führen wird?

Stündlich zwischen 12 und 20 Uhr.

Künstlerische Leitung: AΦE (Esteban Fourmi and Aoi Nakamura)
Performance: Robert Hayden, Tomislav English, Yen-Ching Lin, Nina Brown, Steve Rimmer
Technischer Partner: Happy Finish
Bühnengestaltung: James Shaw
Komposition: Jozef Van Wissem, Scott Gibbons
3D Sound Designer: Oliver Kadel (1.618Digital)
Dramaturgie: Amanda Fromell
Psychoanalyse: Emilia Raczkowska (Freud Museum London)
Kreative Beratung: Jasmin Vardimon
Produktion: JiaXuan Hon (Blackwinged Creatives)

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine Komposition vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

Choreografie: Taulant Shehu
Tanz: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition: Arne Stevens
Produktionsleitung: Sina Schönfeld

Das große Tanzfest im Mousonturm ist auch in diesem Jahr wieder krönender Abschluss des Tanztages. Ganz im Sinne des Ausprobierens und Neuentdeckens geht es auch am Abend darum, in geselliger Runde die scheinbar unendliche Vielfalt des Tanzes zu feiern. Möglichst viele Tanzformen und -stile werden im Laufe des Festes, nach einer kurzen Einführung, nachgetanzt oder als Ausgangspunkt für eigene Bewegungsideen genommen. Tanzen und feiern Sie mit uns bis in die Nacht, beim Tanzfest 2018!

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance, sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst in ihren Produktionen im ständigen Wechsel ihrer optischen Erscheinung. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Künstlerische Leitung: Kristin Gerwien
Performance: Philip Albus, Antonia Beeskow, Kristin Gerwien, Clara Reiner, Sara Trawöger
DJ: OneMoe
Licht: Lea König
Mitarbeit Bühnenbild: Till Korfhage, Sara Trawöger
Tontechnisches Konzept: Jörn Nettingsmeier
Inhaltliche Begleitung: Hanna Steinmair
Produktionsleitung: Martin Bien

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Wie kann man sich in der Welt „der Großen“ zurecht finden – wenn doch alles, was darin geschieht, irgendwie zu bunt, zu groß und zu interessant erscheint? Was muss entdeckt werden?
Nach dem großen Erfolg ihrer Arbeit Farbenspiele in Wiesbaden und Darmstadt kehrt die litauische Choreografin Birutė Banevičiūtė mit einem neuen Tanzstück zum Hessischen Staatsballett zurück. In Labyrinth sind Kinder zwischen 3 und 6 Jahren eingeladen zu erfahren, was es heißt sich die Welt, in der sie sich jeden Tag bewegen, spielerisch zu erobern.

Ausgehend von Gegenständen aus der Lebenswelt der Kinder gestaltet sie gemeinsam zwei Tänzern einen Parcours, der bunt und nachdenklich, verwirrend und dann doch wieder ganz fantasievoll einfach ist, aus dem sie einen Weg herausfinden und der schließlich zu einer großen Spielwiese für alle wird.

Länge: 40 min.

Idee, Konzept, Choreografie: Birutė Banevičiūtė
Tanz: Kirill Berezovski, Vincenzo Rosario Minervini

Tanzstück für Jugendliche und ihre Fans | Ab 10 Jahren

Die Zeit des Erwachsenwerdens ist eine Zeit der Rebellion und Anpassung zugleich. Tim Plegge macht in seinem neuen Ballett Momente sichtbar, die den Umbau des Lebens und die Selbstdefinition der eigenen Persönlichkeit in den Vordergrund stellen. Es zeigt Situationen, die junge Erwachsene mit Gleichaltrigen erleben: Freundschaft, Ausgrenzung, Gruppendynamik, Selbstbewusstsein, Sexualität und Liebe. Wie auf einer Baustelle ist in dieser hochspannenden Lebensphase alles „under construction“. Wichtige Fragen brauchen Zeit zu reifen: Wer bin ich? Wer möchte ich sein? Vielleicht gibt es doch einen kleinen Zwischenraum, in dem wir nicht das tun müssen, was Mädchen oder Jungs den allgemeinen Erwartungen nach eigentlich tun? Die Krise des Heranwachsens trägt die bunteste Kleidung!

Choregrafie: Tim Plegge
Bühne: Flurin Borg Madsen
Kostüme: Janine Werthmann
Video: Thorsten Greiner
Dramaturgie: Esther Dreesen-Schaback

Die Tanzplattform Rhein-Main unterstützt kontinuierlich Choreograf*innen bei der Entwicklung neuer Stücke. Egal ob erste Ideen, grobe Skizzen oder bereits ausgefeilte DRamaturgien, alle Stationen eines Kreationsprozesses sind kostbar. Die choreografische Werkstatt gibt diesen Entwicklugnsphasen einen Platz. Im Rahmen des Tanzfestivals sind drei Tanzschaffende bzw. Ensembles aus der Region eingeladen, Projekte im Entstehen vorzustellen. Im anschließenden Gespräch können Eindrücke vertieft und gemeinsam die Weiterentwicklung der Arbeiten imaginiert werden.

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine Komposition vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

Choreografie: Taulant Shehu
Tanz: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition: Arne Stevens
Produktionsleitung: Sina Schönfeld

Zu lange wurden behinderte Körper im Theater höchstens zur Darstellung von Andersheit benutzt. Der Choreograf und Kulturaktivist Saša Asentić versammelt in seinem neuen Stück ein gleichberechtigtes Team aus Menschen mit und ohne Behinderung, um sich mit ästhetischen Regimen der Tanzgeschichte auseinanderzusetzen. Als Ausgangspunkt dienen drei Schlüsselwerke des 20. Jahrhunderts, die in Deutschland entstanden und den Tanz dann weltweit revolutionierten. Die Stücke Hexentanz von Mary Wigman, Kontakthof von Pina Bausch und Self Unfinished von Xavier Le Roy stellten in ihrer Entstehungszeit jeweils ganz eigene Körperkonzepte vor, die mit bestehenden Konventionen brachen und nun selbst einen Kanon bilden. Asentić und sein Team eignen sich dieses Material mit viel Sachverstand an, um daraus eine eigene Ästhetik zu entwickeln und einen Platz in der Tanzgeschichte zu reklamieren.
Dis_Sylphide hebelt humorvoll und überraschend bestehende Normen und Konventionen vom Körper aus und lädt dazu ein, den Theaterraum als einen Ort des alternativen Zusammenseins zu erobern.

In Deutsch, Englisch und Serbisch

Mi. 14.11. | Künstlergespräch im Anschluss

Konzept und künstlerische Leitung: Saša Asentić
Künstlerische Mitarbeit und Choreografie: Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski
Performance: Natalija Vladisavljević, Jelena Stefanovska, Snežana Bulatović, Dalibor Šandor, Marko Bašica, Thomas Möller, Celina Scharff, Tom Reinecke, Katharina Bromka, Can Gecir, Liv Henriette Neuman, Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski, Saša Asentić

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance, sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst in ihren Produktionen im ständigen Wechsel ihrer optischen Erscheinung. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Künstlerische Leitung: Kristin Gerwien
Performance: Philip Albus, Antonia Beeskow, Kristin Gerwien, Clara Reiner, Sara Trawöger
DJ: OneMoe
Licht: Lea König
Mitarbeit Bühnenbild: Till Korfhage, Sara Trawöger
Tontechnisches Konzept: Jörn Nettingsmeier
Inhaltliche Begleitung: Hanna Steinmair
Produktionsleitung: Martin Bien

Zu lange wurden behinderte Körper im Theater höchstens zur Darstellung von Andersheit benutzt. Der Choreograf und Kulturaktivist Saša Asentić versammelt in seinem neuen Stück ein gleichberechtigtes Team aus Menschen mit und ohne Behinderung, um sich mit ästhetischen Regimen der Tanzgeschichte auseinanderzusetzen. Als Ausgangspunkt dienen drei Schlüsselwerke des 20. Jahrhunderts, die in Deutschland entstanden und den Tanz dann weltweit revolutionierten. Die Stücke Hexentanz von Mary Wigman, Kontakthof von Pina Bausch und Self Unfinished von Xavier Le Roy stellten in ihrer Entstehungszeit jeweils ganz eigene Körperkonzepte vor, die mit bestehenden Konventionen brachen und nun selbst einen Kanon bilden. Asentić und sein Team eignen sich dieses Material mit viel Sachverstand an, um daraus eine eigene Ästhetik zu entwickeln und einen Platz in der Tanzgeschichte zu reklamieren.
Dis_Sylphide hebelt humorvoll und überraschend bestehende Normen und Konventionen vom Körper aus und lädt dazu ein, den Theaterraum als einen Ort des alternativen Zusammenseins zu erobern.

In Deutsch, Englisch und Serbisch

Mi. 14.11. | Künstlergespräch im Anschluss

Konzept und künstlerische Leitung: Saša Asentić
Künstlerische Mitarbeit und Choreografie: Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski
Performance: Natalija Vladisavljević, Jelena Stefanovska, Snežana Bulatović, Dalibor Šandor, Marko Bašica, Thomas Möller, Celina Scharff, Tom Reinecke, Katharina Bromka, Can Gecir, Liv Henriette Neuman, Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski, Saša Asentić

Kristin Gerwien entführt in ein Zwischenreich. Sie ist Musikerin, Performerin und Kostümbildnerin zugleich und schafft eine Inszenierung voll skulpturaler Kraft und klanglichem Feingefühl, die weder Konzert noch Performance, sondern alles auf einmal ist. Das Stück der jungen Künstlerin spielt mit Verfremdungen und Entfremdungen. Gerwien inszeniert und multipliziert sich selbst in ihren Produktionen im ständigen Wechsel ihrer optischen Erscheinung. Es öffnet sich ein Tagebuch möglicher Begegnungen, das zu elektronisch geprägten Songs von menschlicher Haut, Verlust, Berührung, Exzess und anderen Abgründen zwischen Realität und Fiktion erzählt.

Künstlerische Leitung: Kristin Gerwien
Performance: Philip Albus, Antonia Beeskow, Kristin Gerwien, Clara Reiner, Sara Trawöger
DJ: OneMoe
Licht: Lea König
Mitarbeit Bühnenbild: Till Korfhage, Sara Trawöger
Tontechnisches Konzept: Jörn Nettingsmeier
Inhaltliche Begleitung: Hanna Steinmair
Produktionsleitung: Martin Bien

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine musikalische Begleitung vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

Choreografie: Taulant Shehu
Mit: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition: Arne Stevens

Do. 15.11. | 19 Uhr | Warm up für Zuschauer*innen

Taulant Shehu, Tänzer des Hessischen Staatsballetts und aufstrebender Choreograf, erkundet in seiner neuen Kreation Dua seine albanischen Wurzeln. „Familie und Tradition stellen zwei wichtige Grundpfeiler der albanischen Kultur dar und zu kaum einem Zeitpunkt sind sie enger miteinander verknüpft als bei einer Hochzeitszeremonie“, sagt er. Die Hochzeit als Gipfel von Feierlichkeit, Freude und dem Versprechen für immer zusammenzubleiben wird in Dua zum Ausgangspunkt einer Reflexion des menschlichen Zusammenlebens im Allgemeinen. Taulant Shehu wendet sich dabei den einzelnen Beteiligten zu und erforscht choreografisch ihre eigenen Geschichten, Emotionen und Hintergründe.

Zu dieser tänzerischen Auseinandersetzung mit Tradition legt der Komponist Arne Stevens eine musikalische Begleitung vor, die im Rückgriff auf traditionelle albanische Instrumente den kulturellen Ursprungsort dieser Arbeit auch musikalisch ins Zentrum rücken wird.

Choreografie: Taulant Shehu
Mit: Amelia Eisen, Jorge Bascuñan Rivera Neto, Richard Oberscheven, Mamiko Sakurai, Lara Peinado, Max Levy
Komposition: Arne Stevens

Do. 15.11. | 19 Uhr | Warm up für Zuschauer*innen

Erstaufführung im deutschsprachigen Raum/Keine Sprachkenntnisse erforderlich

In diesem Jahr erhielt Meg Stuart den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. In ihrem jüngsten Tanzstück, das ebenso assoziationsreich wie emotional ist, begibt sich die Choreografin auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem aus unzähligen Glühlampen vom indonesischen Ausnahmekünstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum legen drei Tänzer*innen unerhörte Erinnerungsschichten frei. Mehr in Gesten als in erzählenden Handlungen treffen zu den treibenden Live-Sounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora Lubys Körper aufeinander, um sich gleich wieder aufzulösen. Dunkelheit und Licht, Unbewusstes und Bewusstes, Ost und West, alles scheint in Verbindung treten zu wollen in einem Universum der Menschlichkeit. Dieses Stück ist ein echter Trip. In einem Wort: Hypnotisierend!

Choreografie: Meg Stuart
Installation: Jompet Kuswidananto
Von und mit: Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke
Livemusik: Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys

Whistle While You Work („Whistle“) bietet eine Plattform für den Austausch über Belästigung, Diskriminierung und sexuelle Übergriffe in den Künsten mit einem besonderen Schwerpunkt auf Tanz. Die Gründerinnen der Inititiative, Tänzerin Frances Chiaverini und Autorin Robyn Doty, werden ein offenes Forum anleiten, in dem Teilnehmer*innen sich in die Diskussion um Machtmissbrauch einbringen können, gemeinsam Mängel identifizieren und Handlungsräume entwickeln. Der Workshop richtet sich an alle Aktiven im Bereich Tanz: Tänzer*innen, Tanzstudierende, Choreograf*innen, Veranstalter* innen und Produktionsleitungen.

In englischer Sprache.

Ohad Naharin gilt als einer der originellsten und progressivsten Tanzschaffenden unserer Zeit und mit Sadeh21 gelang ihm 2011 der große Wurf: In einer Versuchsanordnung ließ er die Tänzer*innen der von ihm geleiteten Batsheva Dance Company aufeinandertreffen und die Räume zwischenmenschlicher Beziehungen ausloten – und erntete damit nicht nur weltweit Begeisterungsstürme des Publikums, sondern zog auch die internationale Tanzkritik in seinen Bann. Von Tel Aviv bis New York und von Hamburg bis ins australische Perth war das Stück nach seiner Uraufführung zu erleben – immer getanzt von 18 Tänzer*innen der Batsheva Dance Company.

In 21 spannungsvollen Feldern ( שדה , sadeh, hebräisch: Feld), in 21 Sektionen präsentiert Ohad Naharin dem Publikum in allen möglichen Kombinationen und Konstellationen die ganze Bandbreite an Beziehungen, Begegnungen, an Zuneigung, Abneigung und allen menschlichen Gefühlen dazwischen. Zur Eröffnung des Festivals werden sich die Tänzer*innen des Hessischen Staatsballetts in diese Druckkammer der Gefühle begeben, in der sie sich zart wie explosiv begegnen, und sich schließlich selbst der überwältigenden Flut aus getanzten Bildern ausliefern.

Länge: 75 min.

Choreografie: Ohad Naharin
Musik zusammengestellt von: Maxim Waratt
Bühne: Ohad Naharin
Licht: Avi Yona Bueno
Kostüm: Ariel Cohen
Tanz: Hessisches Staatsballett

Erstaufführung im deutschsprachigen Raum/Keine Sprachkenntnisse erforderlich

In diesem Jahr erhielt Meg Stuart den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. In ihrem jüngsten Tanzstück, das ebenso assoziationsreich wie emotional ist, begibt sich die Choreografin auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem aus unzähligen Glühlampen vom indonesischen Ausnahmekünstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum legen drei Tänzer*innen unerhörte Erinnerungsschichten frei. Mehr in Gesten als in erzählenden Handlungen treffen zu den treibenden Live-Sounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora Lubys Körper aufeinander, um sich gleich wieder aufzulösen. Dunkelheit und Licht, Unbewusstes und Bewusstes, Ost und West, alles scheint in Verbindung treten zu wollen in einem Universum der Menschlichkeit. Dieses Stück ist ein echter Trip. In einem Wort: Hypnotisierend!

Choreografie: Meg Stuart
Installation: Jompet Kuswidananto
Von und mit: Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke
Livemusik: Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys

Erstaufführung im deutschsprachigen Raum/Keine Sprachkenntnisse erforderlich

In diesem Jahr erhielt Meg Stuart den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig für ihr Lebenswerk. In ihrem jüngsten Tanzstück, das ebenso assoziationsreich wie emotional ist, begibt sich die Choreografin auf eine Reise in die menschliche Psyche. In einem aus unzähligen Glühlampen vom indonesischen Ausnahmekünstler Jompet Kuswidananto gestalteten Raum legen drei Tänzer*innen unerhörte Erinnerungsschichten frei. Mehr in Gesten als in erzählenden Handlungen treffen zu den treibenden Live-Sounds der experimentellen Musiker*innen Mieko Suzuki und Ikbal Simamora Lubys Körper aufeinander, um sich gleich wieder aufzulösen. Dunkelheit und Licht, Unbewusstes und Bewusstes, Ost und West, alles scheint in Verbindung treten zu wollen in einem Universum der Menschlichkeit. Dieses Stück ist ein echter Trip. In einem Wort: Hypnotisierend!

Choreografie: Meg Stuart
Installation: Jompet Kuswidananto
Von und mit: Jule Flierl, Gaëtan Rusquet, Claire Vivianne Sobottke
Livemusik: Mieko Suzuki, Ikbal Simamora Lubys